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写意国画最新视觉报道_写意国画葡萄作品图片(2024年11月全程跟踪)

内容来源：好望角图库所属栏目：热点更新日期：2024-11-27

写意国画

国画与西画：两种不同的艺术语言 𐟎芥ˆ涉水墨写意画，感觉它与西画是两个截然不同的评价体系。老师总是强调画面结构的前后表现和虚实对比。前后和虚实并不一定要与真实图景相符，但为了画面丰富好看，可以在一定程度上自由表现。他甚至说，中国画可以远山黑，近山淡，只要能表现对比关系即可。在笔法方面，毛笔的水、墨含量及比例决定了线条的浓淡干湿，而运笔手法则决定了线条的质量。不能很好地运用毛笔就画不好线条，线条必须一笔写成，注意是像写字那样“写”成，不能涂，不能描。最开始画的时候用笔可以虚一些，这样画错了还有改的可能，要是一开始就画死了，那整幅画可能就因为这一笔毁掉。皴是线条，表现结构，前后关系；擦是块面，表现明暗和纹理。皴擦尽量避免重复，这里画密了，那里就要画疏，这里画重了，那里就要画轻。总而言之，是要形成对比，而不一定符合真实情况。画好之后，某些地方可能要重复一遍，以不断加强虚实对比关系。国画首先是画大致的轮廓和方向，然后再细化结构，再加强明暗虚实关系。与西画不同的是，国画首先强调的是感觉，把自己的感觉表达出来，胜过模仿写实。这就是所谓意境、写神之所在。

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灯王《卿之》写意国画

一笑三语：画论、画理、画法——聊写意画之理念前天在北京工作室，来了几位书画朋友，大家围坐一起，品茶论道，自然而然就聊起了写意之画论、画理、画法等话题。今天我清和堂主人范云峰，也想就此话题聊聊自己的一些看法。画论、画理、画法，这三者乃是历代画家们用文字总结出来的宝贵经验，是他们在艺术之路上不断探索、反复琢磨，甚至是不断否定已得成果，一步步积累沉淀而来。就如同郑燮画竹，他提出“眼中之竹”“胸中之竹”“手中之竹”的理念，从观察自然之竹，到心中构思，再到笔下呈现，这过程中的思考与实践，就是对画理的不断深化和拓展。又如石涛所言：“笔墨当随时代。”这一句便道出了画法不能一成不变，需顺应时代的发展而创新。且说画论，它犹如指引方向的灯塔。董其昌的“南北宗论”，对后世山水画的发展影响深远，为画家们提供了思考和评判的依据。然而，这些宝贵的经验绝非是终点，而是一个又一个新起点，绝不会终止发展而另起炉灶。再说西画，凭的是造型，是肉眼能见到的真实具象。可咱们的写意画，讲究的是意韵，是心境的抒发。就像八大山人的作品，寥寥数笔，却能让人感受到无尽的孤寂与悲愤。那夸张的造型，简约的笔墨，传递出的是他对世事的独特感悟。记得有一次，我在创作一幅写意花鸟画时，起初只是想按照传统的画法，描绘出花鸟的形态。但画着画着，心中突然涌起一股别样的情感，于是大胆地突破常规，用更奔放的笔墨去表达内心的冲动。结果，这幅作品竟有了意想不到的效果，也让我更加深刻地体会到，画理与画法并非是刻板的教条，而是要随心而发，顺势而为。总之，写意画的画论、画理、画法，是一个相互交融、相辅相成的有机整体。我们在传承古人智慧的同时，更要勇于探索和创新，才能让这门艺术不断焕发出新的生机与活力。范云峰甲辰十月十七北京早安！

一笑三语：多画、少画、不画——聊写意画之提炼取舍前天在三语中，探讨了构成写意画的构思立意和构图布局中“意在笔先”的话题，引发了朋友们的热烈讨论。其中，有朋友问到在构图布局和构思时重点及技巧应注意什么。对此，我清和堂主人范云峰认为，关键在于提炼取舍。然，写意画，如同一场精心编排的舞台演出，画家是导演，景物是演员。而如何让这场演出精彩纷呈，关键在于对演员角色的精准安排，即对想画的景物进行提炼取舍。在我们面对纷繁复杂的景物时，首先要明确哪些是重点表现的。这可能是一朵绽放的娇艳花朵，其姿态独特、色彩绚烂，能吸引观者的目光，成为画面的焦点，那它就是需要多画的部分。我们要用细腻的笔触、丰富的色彩去突出它的美，展现其独特的韵味和魅力。而有些景物可能是次要的配角，它们起到衬托和辅助的作用，比如背景中的一片淡云、远处的几棵小树。对于这些次要的元素，我们应少画，只需勾勒出大致轮廓，以营造出氛围和层次感，避免它们抢占了主角的风头。同时，还有一些景物是应该不画的。这并非因为它们不重要，而是为了保持画面的简洁和主题的突出。比如过于琐碎的细节、可能会分散注意力的杂乱元素等。舍去这些，能让画面更加干净利落，使观者的注意力集中在我们想要表达的核心内容上。这种提炼取舍的过程，并非简单的删减和增加，而是需要画家具备敏锐的观察力和深刻的理解力。要能洞察景物的本质和内在联系，把握其精神内涵，从而做出准确的判断。在实际创作中，我们可以通过反复的观察、思考和尝试，不断磨练自己的提炼取舍能力。多欣赏大师的作品，学习他们的构图技巧和取舍智慧，也是提升自己的有效途径。总之，写意画的提炼取舍是一门高深的艺术学问，需要我们用心去领悟和实践。只有在不断的探索中，才能找到最适合自己的表达方式，创作出富有感染力和生命力的作品。范云峰甲辰十月廿九北京早安！

秦绍明山水画「水墨画」「国画」「写意画」北京ⷥ𚄧𞎦œ辶†秦绍明国画的微博视频

秋天的云，像一幅写意画，我在镜头里捕捉它的美。#最美秋日#

墨豪大写意画柿子「墨豪画柿子」「画家墨豪」「墨豪」画家墨豪的微博视频

水墨写意画#全职妈妈# #AI创作#

浅论中西绘画之別中国大写意画是最难的画科文/左禅中国写意画的学习，特別是大写意画造型不一定需要学习素描。潘天寿说：“越是民族的，越是世界的，中西艺术是要拉开距离的”。中国画，这里指大写意画是以笔法、墨法、以及构图学结合的一种独特的中国绘画其中一种画科。而要能画好大写意画需要画家拥有大气魄、大格局，和大境界。我的老师李涵先生曾对我说：“大写意画首先需要一个家得用一生的时间去探索和实践的绘画，而非言语文字可以叙述”。要画好大写意画，这里首先要过笔墨关。笔墨，即笔法和墨法。笔法：即通过对历代碑帖前人书法长期的学习使自己手中的笔既有力能扛鼎，力透纸背的力量，又可以让自己的笔达到如春蚕吐丝，穿针引线般灵动和灵活。使自己的对笔的把控就像庖丁解牛的刀一样技近乎道。墨法：即水和墨的运用。而墨法是最难的，也是至高的。 ‌古人对墨法的理论最早是由南朝梁武帝萧衍提出‌。他在南朝时期最早谈论了墨法，提出了“少墨浮涩，多墨笨钝”的观点。此外，唐代书法家、理论家孙过庭也在唐朝提出了“带燥方润，浆浓遂枯”的观点，进一步丰富了墨法的理论‌。宋代书画家苏东坡在《论画》中强调了墨在书法中的重要性，提出了“书必有神、气、骨、肉、血，五者阙一，不成为书也”的观点，这里的“血”指的就是水墨‌。在用墨方面，董其昌可谓是高手，他的作品喜用淡墨，营造出淡雅的气息。他在《画禅室随笔》中，谈道了用墨的注意事项：用墨须使有润，不可使其枯燥，尤忌秾肥，肥则大恶道矣。董其昌这句话的意思是，用墨一定要滋润，不可让其因缺少水分而干枯，更要注意不能太艳太肥，用墨过肥则是很大的错误。用墨时以水为媒介，水墨融合于纸绢，便出现“浓、淡、干、湿、焦”等层次。董其昌讲用墨是书写技法中的重要组成部分，用墨的浓淡直接影响到书写的好坏。清代包世臣也曾提过：“画法、字法，本于笔，成于墨，则墨法尤为书艺一大关键已。近人黄宾虹是把墨法运用到至高和极致的一位集大成者。他在作品中题跋中云：北宋人画，积点而成，层层深厚。云间、娄东用兼皴带染法凄迷锁碎，去古已远，兹以渍墨，写蜀中山水为之。李可染先生的山水是在继承了白石老人的笔法和墨法的基礎上又继承学习了黃宾虹先生的墨法，然后把黄宾虹晚年“黑山水”画的白点放大，把西方的光学带到了山水画里成为李家山水开了宗立了派。李可染在继承了黄宾虹的笔墨技法，但他的用墨更为简约、明快，更具有现代感。他善于运用墨色的变化和层次的对比，表现出山水的气势和自然界的神秘。同时，他在用墨上也有所创新，例如在表现水面时，画树时光学的引用。这在历代山水画是革新，是开创。他会运用比较大的墨块和浓淡相间的墨色，使画面更具有流动感和层次时代气息。构图：中国绘画除了笔墨关外其次绘画最基本的要求是首先要像，像就是所表现事物的造型。得让人知道你画的是什么东西，最起码能想象的到或者猜想的到是什么东西，这个中西绘画都是一样的基本最低标准，也就是白石老人所说的，似与不似之间。造型的练习可以通两种方法学习。一是：通过临习古人绘画作品，来获得造型学习，古人绘画造型是经过长期历代画家的观察写生和总结，已经总结出了一套标准完善的造型图样规律。比如表现山水各个地方性特质的十几种山水画皴法，石分三面的画法，树出四枝画法等，人物画身高比例，立七、坐五、盘三半以头为比例口诀，三庭五眼的人物五观面布比例，都做了非常经典的心法和口诀。学习传统绘画是一个很好解决造型问题的方法，甚至写生更高效，这个美院教学做过户外写生和古画学习的效果对比，在这里不在赘述。其此：通过自己观察写生，自己总结一套自己描事物的绘画方法，这个是生活中学习，这里并不是讲只要临习传统就可以了，在传统的学习上，结合生活观察写生，方能创作出具有时代性的绘画。这样过了这三个方才能画好真正好中国大写意画。李可染先生说：笔墨关白石老人过了，李苦禅过了。我认为：在砚边独行苦行僧般70年的李涵先生也过了笔墨关。先生笔下的各种动物、猛禽、水族、鸟类、草虫、都是经过几十年的观察写生提炼和概括完成了自己一套独一无二的花鸟绘画体系。无论山水、人物，花鸟特別是对猿和十几种猴画法以大块墨高度概括提炼精准的绘画方法改写了前人繁琐的丝毛法，快意翰墨淋漓，一挥而就，传其神得其韵。用唐人杜甫的诗句：元气淋漓障犹湿，真宰上诉天应泣真大气魄、大境界、大格局、大写意。画好大写意还需要在诗词文学历史学、哲学、等领域不断的画外功夫学习。在主观因素和客观事物的统一与把握，让自己的画达到天人合一的境界。中国大写意画是性情的、诗意的，自然的、也是道法的。这里宣纸的白、墨汁的黑，外加一管之笔，你就可以表现出春的绿，冬天的白…… 同时中国大写意画是诗意的，性情的，是东坡先生评：王维吴道子画所说的：“当其下手风雨快，笔所未到气以吞”的气魄。而这个气魄和境界是通过长期的笔墨功夫实践和画外修养达到的。中国画是哲学的，首先在笔法和线条上的书法之美，字的大和小、方与正、墨的干与湿，书写时的快与慢，字和字间和密疏……无不是法，无不是道。当今善工者众，能写大写者寡。大写意画李苦禅老人过：“三年可以培养一工笔画家，三十年而不一定能培养出來一個大写意画家。” 李涵先生这浙江美术馆画展痛心疾首的说“中国绘画教学实行素描徐蒋体系，中国绘画沦落为制作。一作品经过不断的修改制作甚至利用高科技投影的技术，现在能画大写意的画家都是业余画家”。我曾说：“三个月可以培养出來一个油画工，有的人一辈子可能却难以成为一个真正的中国画家。” 西方绘画是以准确的表现客观形象发展起來的，在透视、解剖、色彩各个领域，通过素描、色彩手段形成完美的学习创作体系，得到世界认可，西方绘人画风景，要对实景创作，画静物要摆放景物创作，画人物要找模模特摆造型，完成。而中国写意画，是通过笔墨过关之外，更多的画外功夫的积累。所以能画好中国画的画家都像修行僧一样，通过长期的艺术实践，人格不断修养，境界提高，创作出不同层次的绘画作品。也就像修行者不同修行所得的不同果位一样。而优秀的中国画家都会把学习中国画当僧家修行一样贯徹一生。绘画的第一层次是悅人眼目。第二层次是：成教论。第三层次是：人文关怀，让人境界提高和开悟。在世界美术史唯一和西方绘画抗衡的是中国写意绘画。这个在西方大师毕加索早证明。而中国写意画西方人沒有常期的画外功夫的修养是画不出來，就是画出來也是无无味无神，无韵韵无味。而中国画家可以画好能画西方绘画，所以我个人认为，西方绘画重“技”，而中国写意绘画重“道”。中国画扮演者育人论，成道论的角色。唐代张彥远在《历代名人画记》所说的：夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功，四时并运，发与天然。是北宋《宣和画谱》道释敘论所云：“志于道，据于德，依与仁，游於艺，艺也道者，虽志道之士所不能忘，然特游之而已。画亦艺也，近乎妙，则不知艺之为道，道之为艺。” 所以中国画大写意是道法，至高之法。

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